‍0.序

关于为什么学

想学，仅此而已。

起因是最近在复健自己的手风琴，然后选择了去练打灰歌，然后发现因为以前学习时只负责在乐团演奏加之长时间没碰导致我现在左手已经忘光了，最近学习左手的键盘构造时发现这东西真是太精妙了，但是我分不清每个和弦在五线谱上长什么样，索性顺便把乐理学一下。

在B站上找了找讲乐理的视频，就决定跟着这个学了。

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顺便发个文章去网页上看看有没有什么显示问题。

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upd on 2026.5.5:

很希望像这群人一样。

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1.什么是基础乐理

关于音乐的基础知识（好像是废话）

在此基础上，可以发展出作曲、和声、教育、声乐、音乐学、美学、器乐、视唱练耳、编曲、律学等各个分支，这些分支可以归为四类：表演类，创作类，教育类和研究类。

基础乐理不难（据说），但战线偏长。

2.唱名

唱名，即唱出来的名字，就是我们常说的do re mi fa sol la si，分别对应数字1 2 3 4 5 6 7，0没有唱名是因为0为停止之意，对应休止符。

3.唱名的来历

公元前文明出现，开始出现音乐，考古发现基本都为“文字谱”，主要是记录乐器的操作，很难去记录音乐的高低长短。

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9、10世纪左右，人们要唱圣咏（当时教会音乐（如格里高利圣咏）全凭口传心授，僧侣们学会一首圣歌需要整整十年），文字谱难以满足需求，人们开始在此基础上用点、横线、斜线等符号来标记一个大致的旋律轮廓和走向，这种方式我们称为“符号谱”，也叫“纽姆谱”。

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用了一段时间后发现还是难以区分音符的高低，于是开始慢慢加线，最终加到了四条线，发展成为“四线谱”，即五线谱的前身。

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‍11世纪的 圭多·达雷佐 (Guido of Arezzo) 是那个年代的作曲家，是当时给圣咏谱曲并教大家怎么唱的人。为了方便教学，他在前人的基础上将纽姆谱的线加到第四根，并从自己谱曲的一首圣咏 《圣约翰赞美诗》(Ut Queant Laxis) 中把前六句的第一个词的第一个音节提取出来，念作Ut( wū) Re Mi Fa Sol La，为现在唱名的雏形。

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17世纪时，音乐家认为Ut的发音不够响亮，替换为了更容易发音的Do，并增加了Si，唱名基本成型。

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17世纪的下半叶，法国音乐家苏埃蒂开始用1 2 3 4 5 6 7对应Do Re Mi Fa Sol La Si，由此诞生出简谱，再由卢梭（怎么哪都有你）等人加工改进，逐渐被当时的西方接受。

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19世纪下半叶，一名美国的音乐老师去日本讲学便传入日本，在20世纪初传入中国。当时的音乐家沈心工写了句“独揽梅花扫腊雪，细睨山势舞流溪”（即Do Re Mi Fa Sol La Si,1 2 3 4 5 6 7）来方便记忆和传播。

4.初步认识简谱

主标题居中在最上方，副标题可有可无，右上角一般为词曲作者，无格式要求写清楚就行，甚至词曲都是同一人的话可以只写人名，不知道创作者是谁就写佚名或无名氏，如果是传统民歌可以直接写，如四川民歌、湖北民歌，俄罗斯民歌、湖南山歌等，也可以直接写类别，如儿歌、军歌（不是xlpj的意思）、舞曲、催眠曲等。可以笼统的认为右上方为曲子的来源或来源地（啥也不写也行）。

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对于乐谱有实质影响的在左上角，分为三个部分：调号、拍号、情绪与速度。

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调号为1=一个字母的形式，拍号为一个分数，情绪与速度为一个形容词和♩=一个整数的形式，这三个部分缺一不可。

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中间最主体的谱子为正文。

5.初探调号、拍号、情绪与速度

调号

调号为一个视觉标记，主要来表示这首曲子是什么调。一共有12个调，再细分可以分为大调和小调，关于为什么有12个要调，简单来说就是钢琴上一个八度里有12个半音，每个半音都可以作为主音（Tonic）。所以从音高位置来说，只有12种可能。

拍号

用来决定音乐的律动，以及音符、时值、节奏、速率、小节、小节线......

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简单理解什么是律动：动次打次，动次次，动次动次都是律动。‍

情绪与速度

情绪是较为抽象的，速度是定义音乐多块多慢的。这两个东西其实是息息相关的。一般来说快的偏高兴，更快的偏激昂，慢的偏悲伤等。因此有的乐谱只写情绪不写速度，也有的乐谱只写速度不写情绪。（当然也有两个都不写的，需要自己去决定和体会，毕竟只有拍号和调号是决定乐谱本质的。）

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速度的写法也分为两种，抽象的（快速、慢速）和具体的（♩=130）。

6.调号

1 ？= ？ C ？

形式为1=字母（简谱中，五线谱中不会写数字），由数字、等号和字母组成，第一个位置只会写1。字母的顺序为C、D、E、F、G、A、B。唱名和数字在任何情况下都是一一对应的，但他们和这串字母却不是一一对应的。1永远等于do，do也永远等于1，但他们都不可能永远等于C。而这一串字母在音乐中叫做音名（准确来说，带着升降号的字母也算音名，而数字只是和音名一一对应，并不是音名）。

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然后就是认识钢琴键盘（因为用钢琴学乐理最简单）

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这是钢琴的一个基本单元，一共七个白键五个黑键，这十二个键的基本单元称为“组”。完整的钢琴就是组+组+...+组（字符串拼接），但是最左边和最右边的组只保留了一个组局部。最左边的组剩下两白一黑三个键，最右边的组剩下一个白键，一共九个组（包括两个残缺的），白键黑键加起来共88个。

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每个组的白键从左到右依次为C、D、E、F、G、A、B，这样会发现左边刚好是从A开始的（但只是巧合而已，取音名时并不是这么取的），音名的位置永远都不会变，每一个组的第一个键永远是C，位置是绝对固定的。

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现在知道什么是1什么是C了，只需要去理解=是什么就可以了。

1=C?

即乐谱中的1对应键盘上的C键，默认C为第五组的C（第四个C，因为第一组没有C），而1的位置确定了，2、3、4、5、6、7的位置也会确定，即1=？，1（do）的位置就从？出发。

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但在钢琴上这七个键并不是全是白键（只有1=C是1、2、3、4、5、6、7才全在白键上，其他调都至少有一个键在黑键上），根据do的位置不同其他的都要按照规律往后推，要搞清楚这个规律需要先认识一下黑键的名字。

7.升降号及黑键的音名

升号：♯，表示升高到相邻的音。

降号：♭，表示降低到相邻的音。

在钢琴键盘上从左到右音是由低到高的，音的高低指的就是音的振动频率的高低，及赫兹（Hz），钢琴键盘从左到右Hz是非线性递增的，每一个音都对应一个频率，中央C为 $261.63Hz$ 。

C键和D键并不是相邻的，他们之间隔了个黑键，这个黑键称为 $C \sharp$ 或者 $D \flat$ （这里升号和降号在左边和右边都可以，没有严格的要求）。就会发现每一个黑键都有两个名字。在音乐中我们把同一个音的不同名字叫做等音，例如这里的 $C \sharp$ 和 $D \flat$ 就互为等音。后面黑键的名字就一目了然了。这是同一个组内的情况，而事实上每一个组都是这么命名的。

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特殊的，E到F和B到C是直接相邻的，中间没有黑键（原因应该也是涉及到十二平均律）。

8.重升号与重降号

重升号：𝄪

重降号：𝄫

很好理解，就是升两次和降两次。

根据等音的定义我们可以得知，C与𝄫D互为等音，D与𝄪C互为等音。

‍一般来说一个音上最多只能有一个符号，即C既是 $\sharp B$ 也是 𝄫D，也只能是三个名字。

按照这样来看在一个组中的12个键有11个键都有三个名字，只有 $\sharp G$ ，也叫 $\flat A$ 只有有两个名字。

同一个键这么多不同名字的意义？

很简单，在不同的语境中不同的表达方式会影响理解。

举个例子，你去山上采草药，问村民这种药在哪里肯定用人家当地对这个药的称呼去问，你要是说专有名词人家村民怎么可能听得懂；那你现在采完药了想去网上查查这药该怎么熬，你肯定得搜药的专有名词才能找到配方。

或者像视频里一样用葫芦娃去解释。

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9.纯八度

纯八度属于音程的内容，会在以后学音程时再详细讲解。

这里要记结论：当两个音的振动频率数越接近简单的整数比，那这两个音听上去就越相近，越协和，越相似。

最简单的整数比为1：2，举例为相离最近的两个C。

而两个频率比为1：2的音之间的距离我们就称之为纯八度（即两个相同且相邻的音名之间的距离，例如两个C相距纯八度）。

这里说1:2和2:1还是有区别的。

2:1 表示较高的音频率是较低音频率的2倍
例如：低音频率 = f，高音频率 = 2f
这是上行八度（从低音到高音）
1:2 表示较低的音频率是较高音频率的一半
例如：高音频率 = f，低音频率 = f/2
这是下行八度（从高音到低音）

这个就算是音程的内容了后面会细说的。

所以音名只会用到七个字母，因为第八个会和第一个形成1：2的频率，极度相似，就直接算作下一组，而不再使用别的字母了。

截至到这里需要知道的纯八度芝士：纯八度是关于两个音，它们的频率比为1比2，听上去极度相似，甚至就像一个音，所以在音名上也就保持统一。

然后我们就可以得到每一个组的频率就是前一个组的频率 $\times 2$ ，就会出现等比数列。

相邻的两个C就叫一个纯八度，隔了一个C就叫两个纯八度，再隔一个C就叫三个纯八度。但因为听上去极为相似，就都统一使用一样的音名来表示。为了区分哪个C是哪个组，便需要下面的内容。

10.音的分组、中央C、标准音

一组有7个白键5个黑键，钢琴一共有9个组共88个键（最左边的组只有两个白键一个黑键，最右边的组只有一个白键），而音是无穷无尽的，只是再高或者再低的不常用所以钢琴没做而已。

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为了区分某个C是哪一组的C，某个D是哪一组的D，现在常用的分组表示法有两种：

赫尔姆霍次音调记号法。规定钢琴的第三个组为大字组，第四个组为小字组，九个组从左到右依次为大字二组、大字一组、大字组、小字组、小字一组、小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。写法规则为
大字组或者大字N组的音名要大写，小字组或者小字N组的音名要小写。
大字N组统一在音名右下方写上N，小字N组统一在音名右上方写上N。
即九个C分别长这样
$C\\_2 \quad C\\_1 \quad C \quad c \quad c^1 \quad c^2 \quad c^3 \quad c^4 \quad c^5$
如果需要升降号的话直接写左边就好。
‍科学音调记号法。全采用大写字母。九个组分别为第0、1、2、3、4、5、6、7、8组，写法就是音名+数字，如A0，C4等。
缺点是0组再往左边就是负数了没法表示，不过因为几乎用不到所以问题不大。

‍但是我们仍然有 $0.1%$ 的概率会遇到其他的表示方法，遇到了就说明我们已经是业内人士了。

因为C4用的过于频繁，起了个特殊的名子为中央C。

A4在国际上被规定为标准音，频率为 $440Hz$ 。
‍由于标准音为人为规定的，说不定过几年就会变一下。

11.高音点、低音点

这个是简谱的内容。

1=C时 do re mi fa sol la si默认对应小字一组（C4那组）的 C D F G A B ，理论上对应哪组都可以。（为什么默认在小字一组下节课就有讲）

简谱上用1、2、3、4、5、6、7表示小字一组，为了方便表示比小字一组低一组的小字组，会在数字下面加个点，这个点就叫低音点，再低一组就加两个点，这两个点可以统称为倍低音点，每往左一组就多一个点。

同理，每往右一组就在上面加一个点，这个点就叫高音点，两个点就叫倍高音点，每往右一组就多一个点。

长这个样子：

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12.音域、1=C到底是哪组的C

音域

音域：一个乐器（包括人声），能发出的所有音高的总和。

例如钢琴的音域就是 $A\\_2-c^5$ ，小提琴的音域为 $g-b^4$ ，大管的音域为 $\flat B \\_1 - e^2$ 。

不过小提琴和大管分别属于拉奏乐器和吹奏乐器，可以通过一些演奏方法来扩宽音域，所以这里的音域如有误差是正常的。不过钢琴就没有这种问题。

1=C到底是哪组的C

原则上就是等于任何一个组的C都可以，但是绝大多数时候是等于小字一组的C。

因为1=C是简谱的调号，而简谱基本只有两个用途：给人唱的歌谱和给乐器演奏的器乐谱，歌谱大约占八到九成。而大多数人的音域为 $g-d^2$ ，所以定在小字一组最为方便，对于简谱也最为简洁。

现实中，正确的做法是根据音域去选择合适的组。

13.全音、半音

音听起来高低不同是因为他们本身频率不同，而我们在形容两个音之间差了多少时又不可能说差了几百几十几点几几赫兹，这显然太麻烦了，就需要一些简化一点的方式来表达。

全音和半音就来形容两个音之间距离差的词语。

在基础乐理的范围内，两个音之间最小的距离就叫做半音。

具体而言，相邻的两个音之间的距离就叫半音。

这个相邻举个例子就好理解了：与 $c^1$ 相邻的两个键分别是 $b$ 键和 $\sharp c^1$ 键。

正常来讲就是：B到C是一个半音的距离。

但是实际上我们说话常常省略为：B到C是半音。

特殊的，任何乐器上E和F，B和C都是直接相邻的。

全音：两个半音的距离。

14.乐音、噪音、乐音体系、音列

乐音与噪音

前面说过，音乐中的每一个音都对应的是一个频率，按一个音时听上去没有变化，是因为在这几秒中它的频率一直没有改变。例如中央C，一直都是261.63Hz，如果这时我们使用一些可以检测频率的软件，横轴代表时间，纵轴代表频率，我们会发现图像是一个平行于横轴的直线。（上方还有一堆横线，那个东西叫泛音，后面再学）

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像这种，一直稳定在某个频率不发生变化的，我们就称之为乐音。显而易见，乐音的特点是振动规则，频率稳定。因为每一个键，每一个音名的频率都是稳定的，所以每一个键，每一个音名对应的音都是乐音。

噪音就是乐音的反面，振动不规则，频率不稳定。

但噪音在音乐上也有应用，例如鼓和镲，这一类打击乐器在分类上算作“噪音乐器”。通常用来打节奏，烘托氛围，充当背景。

音乐往往是乐音和噪音的结合。

乐音体系

定义为音乐中使用到的所有乐音的总和。

这里所有乐音解释有两种：一为钢琴中的88个键对应的88个音，因为其他乐器的音域都比钢琴小。二为97个音，出自于一个贝森朵夫牌的钢琴，诞生于近两百年，这个牌子相当于钢琴中的“劳斯莱斯”。

音列（平常不用）

乐音体系中，取若干乐音，并有序地排列起来，称为音列

若干代表音的数量大于等于2，有序代表从高到低或从低到高排列。

15.音级、基本音级、变化音级

音级：乐音体系中的每一个音，都叫音级。

音级和乐音的关系可以理解为自然数与整数的关系。乐音的范围更广一些。

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**基本音级：七个具有独立名称且不带任何升降号的音级————CDEFGAB。**基本音级只有七个。

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**变化音级：处了基本音级之外的其他音级。**可以细分为四类：升音级、降音级、重升音级、重降音级。每种7个，共28个。

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这里会出现和等音那里差不多的问题：C是基本音级， $\sharp B$ 和𝄫D代表的明明是同一个音，一个是基本音级一个是变化音级。从概念上来讲，使用了升降号就代表是变化音级；从内在逻辑上讲， $\sharp B$ 强调的是B升高了，直观感觉是与B相关而不是与C相关，𝄫D强调的是D降低了，直观感觉是与D相关而不是与C相关，只是最后刚好音一样，但是内在逻辑不一样。在以后学调式时就会明白了。

16.自然半音、变化半音、自然全音、变化全音（不是重点知识，日常基本不用）

取出一些音级，如果其中两个字母是挨在一起的，就可以称为“自然”，这里只看字母，忽略升降符号，只要字母是挨在一起的是“自然”。再根据实际位置去判断是半音还是全音就好。

不是相邻的就叫变化，包括隔一个音（ $\sharp C$ 和 $\flat E$ ）和两个音都是本身（ $\sharp G$ 和 $\flat G$ ）的情况，这两个都是变化全音。

写法上一般都是左低右高的。

17.1234567的内在规则

炒鸡重要！！！

很奇怪的一件事是，我们连着弹8个音，只要不是do re mi fa sol la si do我们一定能感觉出来，只有弹奏do re mi fa sol la si do的时候才会听起来很舒服，这说明do re mi fa sol la si do一定有内在的排列规律。而我们要学习的就是这内在的规律。

这里要用到我们在低13节里面学的全音和半音的芝士。

以1=C时研究，我们发现这七个间隔的距离依次为全全半全全全半。

实际上，不止在1=C的情况下，任何时候，为了弹出do re mi fa sol la si do的感觉，必需按照这个规则来弹奏。

18.调式、自然大调式

调式

调式的严谨定义：若干高低不同的乐音，围绕某一有稳定感的中心音，按一定的音程关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式。
简化版：若干个音，按某种规则排列起来，就是调式。

调式本身是一个比较抽象的概念，只有确定了有几个音，是什么规则后，才能形成调式。

我们要学习的是那些具体的，已有的调式：大调式、小调式、中古调式、五声调式......

自然大调式

一般省略最后一个字，称为自然大调。后来嫌麻烦直接称为大调了。定义为七个音，按照全全半全全全半的规则排列起来。

这里说七个音是因为无论从那个音开始都会从这个音的高八度结束，这两个算同一个音在不同的组，算作同一个音，所有我们说是七个音。

自然大调在调式中算是大调式这个类别的一部分。是我们日常中最常遇到的调式。

但调式只规定了音的规则和数量，以不同的音开始名字也不同，以C开始就是C大调，以D开始就是D大调，以此类推。

这张图要记住。

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19.音阶是什么、有什么用

音阶的严谨定义：将调式中的音，从以主音开始到以主音结束，由低到高(叫做上行)，或者由高到低(叫做下行)，以阶梯状排列起来，就叫做音阶。

特点：

‍主音开始，主音结束。（有始有终）
音阶是有序的。（方向性）
音阶一定要包含调式里所有音。（完整性）

用处如下：

考试
交流时的简化
用于认谱、练习乐器、声乐等的初级阶段或热身阶段（基本上任何乐器的初级教程都是从音节开始）

20.关于调式、音阶的一个萌新常见误区

我没理解为什么会有误区，没笔记。

‍21.黑键出发的自然大调、等音调、音阶的选择

在18里面最后的那个图片里面有一个细节，以白键出发的大调中，每个字母（即音名）都出现了一次，所以以黑键出发的自然大调也应该满足这个规律，实际上就是因为要满足音阶的完整性。

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由第一个黑键开始的调可以称作 $\sharp C$ 大调或 $\flat D$ 大调。 $\sharp C$ 大调就是将C大调的每个音升了半个音， $\flat D$ 大调就是将D大调的每个音降半个音。但因为要满足音阶的完整性，尽管这两个调式是一个东西，但写出来后长得完全不一样。这种实际效果一样但是名字和音阶表示方法不一样的两个调就称作“等音调”。可以简单理解为等音的升级版。

用两种方式表达的意义？

不同的环境下有的表达方式更符合逻辑，更容易理解。现在只需要知道这两种表达方法地位相同就好。

下面是总图：

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蓝色边框的是带有重升号的，红线划掉是因为有重升号导致不常用。

22.等音调扩展篇、何为一共十五个大调

一共有35个等音，所以理论上应该有35个大调（只有四个常用的升降符号的结果，理论上大调的数量是无穷无尽的）。但是人总是倾向选择一些简洁的表达方式，所以实际上常用的一共有15个大调，其中有三个键是两个名字都常用，下附图：

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其他的只是说不常用，并不代表不存在。

23.调号总结篇

课程大致安排：前面的1-22为纯理论性的知识，这篇为梳理与总结，后面24-40左右为一些误区的梳理和总结、一些练习方法、为什么有些东西暂时不讲。然后开始第二大板块：拍号。

这里没笔记，边学边对前面的笔记缝缝补补了一下。

24.模唱、相对音高的练习方式

主要讲的是当前阶段可以去练的东西以及怎么去练。然后考虑到大部分人的需求就只有唱和奏，所以引入模唱和相对音高。

首先随便给出一个数字要说出唱名，然后试试能不能跟着钢琴唱出某个音，这就叫模唱。95%的人是天生有模唱的能力的。自己练习可以下个DaTuner Lite检测唱的对不对。

相对音高：随便给一个音并当成do，把其他所有的音都唱出来。

从C大调开始，按照121-131-141-151-161-171-111开始练习，最开始时可以把每个音拖长一点去用心感受，若干天后觉得没问题后开始只弹一次1唱后面的三个音，再自己检验。再之后练习下行音阶，再之后加音的数量，再之后换个调继续，如此重复。

相对音高的感觉只有第一个调最难练，练好C大调以后就有了全全半全全全半的感觉，剩下的就好练了。

每天练习10min，两个月后就有超大提升

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1为高音do。

熟练后也可以去练那种不是从do开始的，每个调都可以按照这个去做。

还有些练法会在以后学音程学到。

弹幕：可以用半音调谐器测唱的准不准。（因暂未开始练习，先记下，万一有用呢）

25.※为什么要有这么多调号？

这几个选学课程看情况记笔记。

‍这么多调号，对于乐器来说，是为了匹配相应的音域和音区，方便不同的乐器都可以演奏出来。对于人唱歌来说，每个人的音域不一样，也是为了匹配不同的人的音域，让每个人选择自己适合的音域舒服地唱出来。

再有就是每种歌想表达的情感不同，根据不同的调号来找到最合适这种情感表达的质感。

26.※如何构建大调音阶

‍这节是手推第22节的图，没什么好记的。

27.※7的发音是Si还是Ti

先说结论，两种都对。

原因是因为在唱名中带升降号的话 $do$ 要读做升 $do$ ，明明是一个音但却要发两个音才能形容这个音，所以渐渐发展出另一套体系。带升号时，唱名的元音处改为 $i$ ，如果原本就是 $i$ 的话改为 $a$ 或者 $o$ ，然后升5的唱名就变成了 $Si$ ，和7冲突了，于是这套体系中把7改成了 $Ti$ ，各个音加升号后就变成了这样：

$Di Ri Ma Fi Si Li To$

遇到降号时就把原因改成 $e$ ，原本是 $e$ 的就改成 $a$ 。

各个音加降号后就变成了这样：

$De Ra Me Fe Se Le Te$

‍这是 $Ti$ 的来源，日常中也可以用，至于用不用按照这个体系来唱，选择自己习惯的唱法就好，最重要的是唱准而不是纠结唱什么音名。

28.※升降号写音名左边还是右边

先说结论，两种都可以，准确说是两种意思一模一样。本质原因是中西方语言的差异。我们习惯说升 $C$ ，歪果仁那边是 $C sharp$ 。降号也是，我们是降 $D$ ，歪果仁是 $D flat$ ，这是在口语中，在乐谱中，无论是简谱还是五线谱，升降号都是在左边的。

29.※调性是什么

这东西好像每个地方的定义都多多少少有些差别，这里对于调性的算是调性最普遍的解释。

首先回忆一下调式的简单定义：若干的音，按照一定规则排列的集体。类似于一个模板的作用，英文就是 $Mode$ 。只确定有几个音以及之间有什么关系，不能确定从哪个音开始，而调性可以理解为**“主音”+“调式”**。即自然大调是调式，C自然大调是调性。

其他说法就不记笔记了，说服力不大，按照这个说法记就好。

30.C大调也会运用到黑键？

这个问题可以扩展一下：在某个名为XX调式的音乐中，能出现XX调式音阶中没有的音吗？

答案是可以的。

至于为什么理论上调式固定了音的数量也应该是固定了才对，为什么会出现理论之外的音，难道理论是错误的？

简单来说就是**“存在先于本质”。**

艺术行业都是先有成品再有学者对成品进行研究才产生了理论，理论仅仅是对现有成品进行归纳和总结，为了让后来人快速入门而已。

**艺术之所以让人喜欢就是因为成品的多种多样和不确定性。**只能说这种理论具有很高的性价比，在精简的同时能阐述绝大多数情况。

引入那些原本不在自己调里的音是为了新奇感，而且自己调中的音数量基本都在 $90%$ 以上。因为新奇感是通过对比才有的，引入多了反而体现不出来了。

31.首调与固定调

首调和固定调的概念

首先，这两个词都是针对唱名来说的，是唱名的不同表表示方式。

首调： $do$ 是 $C$ 时就是 $C$ 大调， $do$ 是 $D$ 时就是 $D$ 大调，这种 $do re mi fa sol la si$ 因为调号的改变而跟着移动的方式就叫做首调。

固定调：唱名 $do re mi fa sol la si$ 与音名 $C D E F G A B$ 永远一一对应的方式就叫固定调。

首调与固定调各自的优势?运用场景等?

先直观看一下这两个的区别。

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值得注意的是因为固定调中 $1$ 永远是 $do$ 所以左上角也永远是 $1=C$ 。

如果是要唱的话用首调是最方便的。因为首调只要找到do的高度，就可以通过相对音高的感觉去找到剩下的。而固定调的唱名就很难唱了。

但用乐器演奏时就不一样了，首调需要自己先进行一下映射才能弹，会超级麻烦，这时候就是固定调的优势区间了。

‍这只是大部分情况，有的乐器也会用首调，有时唱也要用固定调，不绝对。

32.相对音感与绝对音感

相对音感与绝对音感的概念

相对音感：给一个已知的音X，再给一个未知的Y音，就能知道Y音是什么。

原理是掌握了音与音之间相对距离的感觉。看的是两个音之间的关系，需要先提供一个已知的基准音。

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绝对音感：不给参照音，随便一个动静就知道是什么音。

相对音感与绝对音感的练习方式

相对音感的练习方式在第24节，绝对音感默认最小要从七八岁开始练习，需要一定天赋，还需要这辈子长期处于音乐环境才能保持。

相对音感培养的是距离体系，只要练习是一定能形成的。而绝对音感是实实在在记住了每个音固定的位置。

相对音感与绝对音感各自的优劣势

练习方式及条件，上面有写，相对音感练起来更简单，但两者都需要大量的练习以及经常性的音乐行为。
听“辩”声音的能力，绝对音感明显占优。
对于调性音乐中的调式感、音程感、和声情感来说，相对音感占优。
对于无调性音乐，绝对音感占优，但普通人一般都不接触无调性音乐（太罕见了）

结论：

年纪超过15岁就不要想着去练绝对音感了。
如果才5、6岁的话想培养也一定要找专门的老师培养。
相对音感并不低于绝对音感，对于绝大多数人的音乐需求上来讲是优于绝对音感的。

所以现在最重要的是去按照第24课的方法去培养相对音感的能力。

33.原调、移调、转调、离调

技术与操作要等学到和声和弦的知识时才能学，今天先学概念。

原调为名词，其他的为动词。

原调：一首音乐原本的调就是原调。

移调：升调和降调的统称，是针对整首音乐而言的，不能只移动某一句。

转调：发生在音乐的内部，从一个调变成另一个调，比如弹着弹着就从C大调变成F大调。

离调：也是发生在音乐的内部，从一个调变成另一个调，但会马上回来，只停留片刻。

34.简谱需要移调吗？

与31节的首调与固定调相关联。

运用首调时，只需要改变左上角的调号就好了，例如将1=C变成1=D，谱子中是看不出区别的。所以使用固定调时才会体现在正文里面。即涉及到简谱的移调时，只有固定调才有意义。不过简谱一般都是用首调来记录的。

35※.高八度低八度算不算跑调

答：不算跑掉。

跑调的定义指的是唱的调和原唱或者伴奏的调不一致。一般来说差一个八度只是因为每个人的音域不同。只要是以八度为单位移动就不算跑调，算移调。

36※.音名为什么有时候分组，有时候不分组

很简单，因为某个知识点在不同的组都成立，此时为了简洁标注就没有分组。并且事实上，几乎只有涉及到音域的相关问题才需要分组，所以看到的音名常常都不分组。

一般来说，这种写法没分组就默认是从左到右从低到高排列的，字母和数字同理。（虽然严格来说数字不算音名）

37※.不太明确的乐理题怎么做

看来是只有艺考生需要看这一节，不过我顺便看了。

结论是出现这种题是出题人的问题。

38-调号章节哪些东西还没有讲？为什么？什么时候讲？

还没讲的：

更多调式：如小调式，中古调式等。
五度圈。
各个调式的第一个音叫主音，其他音的名字？
升降符号时没讲还原号。

后面该引入时都会讲，不会少东西的。

下面开始算是第二个大板块，讲拍号，情绪和速度，讲完后就能看懂乐谱了。

39.拍号部分开始，认识音符

拍号的外观上是一个分数的形式，虽然实际意义和分数并没什么关系。 $\frac{X}{Y}$ 的意义是以 $Y$ 分音符（的时长）为 $1$ 拍，每小节有 $X$ 拍（的时长）。括号中的字是为了方便理解的。

在之前我们学了如何区分音高，但为了变成曲子，我们还需要知道这个音持续的时间长度，而音符就同时提供了这两方面的信息：音高与时长。

以do为例，下面是各种音符在简谱中的样子。

倍/二全音符： $1-------$ （很难遇到）

全音符： $1---$

二分音符： $1-$

四分音符： $1$

八分音符：1̲ （单下划线）

十六分音符：1̳ （双下划线）

三十二分音符：1̳̲（三下划线，Unicode里面没有这种字符，用双下划线+单下划线代替）

每个音符的长度都是上一个音符的一半，还可以接着往后分，每分一次就加一个下划线，但是没必要了，三十二分音符都很难遇到。

这些音符之间相对二倍的关系一定是同一个速度下才能比较的，不同的速度下是无法比较的，所以每个音符也不会有具体的时间长度。

40.什么是一拍

拍是音乐中的时长单位，因为不同速度下每一拍的速度也不同，所以不能用具体的时间来衡量。

以四分音符为一拍时，全音符是4拍，二分音符是2拍，四分音符是1拍，八分音符是0.5拍，十六分音符是0.25拍，三十二分音符是0.125拍......

以八分音符为一拍时，全音符是8拍，二分音符是4拍，四分音符是2拍，八分音符是1拍，十六分音符是0.5拍，三十二分音符是0.25拍......

以此类推。

其中小数部分我们常常用分数说是几分之一拍，当然说小数也可以。

最常见的情况也就是以四分音符为一拍和以八分音符为一拍，其他情况很罕见。

41.小节、小节线、终止线

定义

小节线：单竖线

小节：每两个小节线之间的部分

终止线：乐谱最后面左细右粗的两根线。音乐到这里就终止了。

小节线的意义

如果说终止线是“句号”的话，小节线就是逗号。

这种说法不完全对。小节线确实和逗号一样起到分割全文便于阅读的作用，但小节线并没有停顿作用。更重要的目的为均分每一个小节（让每一个小节的时值长度相等）和预示小节的强弱关系（这个后面会细讲）。

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至此，就可以完全理解拍号的定义了。

42.看懂拍号的意义

念拍号的时候国内 $90%$ 的地方是从下往上念的，比如 $frac{2}{4}$ 就念作四二拍，还有 $10%$ 的地方是从上往下念。（原因是这个东西长得像分数，中国分数从下往上念，外国分数从上往下念）

根据上面的知识我们已经能看懂拍号了，找几个谱子自己看看对不对就好了。

43.附点

后面几节课是关于音符更深度的知识。

简谱中，以四分音符为一拍时，全音符表示四拍，二分音符表示二拍，可以用附点二分音符表示三拍，这个名字是从五线谱里面借来的，简谱上的表示方式为 $1--$ ，确实没带附点。

附点，就是一个小圆点，简谱中写在数字的右下方，表示延长前面这个音符的时值的一半。

像这样： $1.$ （这是用句号模拟的附点）

一个四分附点音符( $1.$ )与一个四分音符( $1$ )和一个八分音符( $1̲$ )组合的区别：四分附点音符为一个音发出1.5拍的时长，一个四分音符和一个八分音符组合为两个音，要发出两次声音，第一次1拍第二次0.5拍。

‍44.复附点

浮点与复附点的关系就类似于升号与重升号的关系。

第二个浮点延长的也是前面部分的一半，即第一个附点的一半，复浮点四分音符 $1..$ 是1.75拍，剩下的以此类推。

三附点四分音符 $1...$ 是1.875拍。

一般我们也只会遇到附点，复附点以及更多附点很难遇到。

45.延音线

事实上，有着这么多音符和附点下，还是有些拍数我们表示不出来。例如，以四分音符为一拍时，我们表示不出来 $1.25$ 拍。这时我们只能写出两个加起来是这个拍数的音符，即一个四分音符和一个十六分音符，这时候要发出两个音，为了只发出一个音，我们需要在两个音上面加一个弧线把它们连起来，这个线就叫延音线，表示第二个音不再发出声响，只延长时间

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有时候也会看到一个延音线连着最开始的和最后的音，中间有好几个音，表达的意思就是把所有音都用延音线连起来了，只是为了方便只画了一个大的，和画好几个小的效果是一样的。

当然，上面只是延音线的第一个作用——用来组合无法用常规方式表达的拍数。还有第二个作用是用于某个音符跨越小节线的时候。

在简谱中，跨越小节时并不能直接用横杠来表示延长，必须写两个音然后用延音线连起来。

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究其原因是因为简谱本身就是借鉴五线谱的形式，而五线谱中并没有办法把二分音符放在小节线中间，只能用两个四分音符再加上延音线的形式表示。

注意，延音线只能用来连接相同的音。

在音值组合法中还会用到延音线，这个暂时不用管（只有自己写乐谱的人才需要遵循音值组合法，已经有的乐谱一定都是已经遵循了音值组合法的）。

46.连线

外表和延音线一模一样，但是在 $99\%$ 的情况下连接的是不同的音，而延音线 $100\%$ 连接的是相同的音。延音线最严谨的画法是每两个音之间都画一条线，而连线一定只画首尾两个音，把中间的音框起来。

意义：

在简谱的歌谱中，某一个字对应几个音时，需要用连线将这几个字连接起来。
框起来的部分，要唱(奏)得连贯。

这两种线同时出现时基本都是连线在外侧。

对于那 $1\%$ 连接相同音的情况，首先出现的概率很低，其次以我们现在的知识还没法判断。

47.休止符

简谱中，数字0就是休止符，与音符一样，休止符分为全休止符、二分休止符、四分休止符、八分休止符、十六分休止符、三十二分休止符等，具体长这样：

全休止符： $0 0 0 0$ （后面多的 $0$ 也可以用-代替）

二分休止符： $0 0$

四分休止符： $0$

八分休止符：0̲（单下划线）

十六分休止符：0̳（双下划线）

三十二分休止符：0̲̲̲（三下划线，Unicode里面没有这种字符，用双下划线+单下划线代替）

停顿与对应音符相等的拍数。

对于用附点表示的音符对应的休止符，简谱中有两种表现方法。一为和音符一样在0后面带上休止符，二为直接好几个0以此写出来。

对于用延音线连起来的音对应的休止符，直接不画延音线就好（非要画上也没问题）。

48※.小节线、音符、休止符之间无任何其他停顿

简单来说，只有休止符表示停顿之意。

平时谱子上为了简洁明了，常常将一拍以内的下方有横线的音符与休止符的横线连接起来，这种几个音符组合成一拍然后要划线的方式其实就是之前提到过的“音值组合法”，其中还有很多其他的规则，后面有板块会详细讲。

小节线也只是用来划分小节，并没有停顿之意。

49.常见的拍号，强弱关系

前几节课算是对音符的表现方式进行补充，现在要再回到拍号上。

在拍号 $\frac{X}{Y}$ 中，Y的取值范围为 $2^n(n \geq 1)$ ，X的取值范围为全体正整数，理论上来说拍号的种类是无穷无尽的，但实际上我们会遇到的种类特别少，这就要涉及到强弱关系。

无论是什么拍号，每小节的第一拍都是强拍，并且每小节只有这一个强拍。
“强拍”弱拍”并不是说强拍的音量一定响弱拍的音量一定就弱，更多的作用是用来形容位置。
强拍的信息量更多。

不同的拍号还有什么不同？

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这些东西目前讲不明白，也只需要等以后搞搞创作的人懂，到时候也会讲的。

50.单拍子、复拍子

‍后面四节是对于拍号的类型总结的七种归类，都是概念性问题，大概只有艺考生要懂，不过我顺便学了。

单拍子：每个小节都只有一个强拍，并且存在弱拍。

复拍子：由相同的单拍子组合起来的。

例如 $\frac{4}{4} =\frac{2}{4} + \frac{2}{4}$ ， $\frac{6}{8} =\frac{3}{8} + \frac{3}{8}$

但是根据上一节学到的规定，每个小节只能有一个强拍，所以从第二个强拍开始全部变成次强拍。

$\frac{4}{4}$ 的律动可以简单理解为动次打次。

51.混合拍子

与复拍子相对，混合拍子的定义为由不同的单拍子组合起来的。

这时候就会出现一个问题，因为组合的顺序不同，次强拍的位置也不同，这个要具体乐谱具体分析。

例如 $\frac{7}{4}$ 拍和 $\frac{8}{8}$ 拍就有三种可能。

注：只能用单拍子组成， $\frac{8}{8}$ 拍为什么不是四个 $\frac{2}{8}$ 拍后面会讲。

52.一拍子、散拍子

一拍子

一拍子：每小节只有一拍并且这一拍是强拍子。无论分母是什么分子永远都是1，并且只有强拍。（非常罕见，一般只有在速度较快的戏曲音乐中可以看到，因为没有弱拍是强拍的连续出现，常用于表现坚决、果敢、激烈等情绪或者形象）。

二拍子：每小节两拍。

三拍子：每小节三拍。

......

散拍子

外表不是分数，而是一个草字头（艹），没有每小节几拍（没有小节线），没有强弱关系，没有固定拍数，就是将最大的权力交给演奏者。十分稀有，也是常见于戏曲中的局部片段。

53.变换拍子、交错拍子

上面五个概念都是对于单一拍子来说的，今天的两个词实际上形容的是多个拍号在实际乐谱中的组合形式。

变换拍子

例如，一个音乐前面是四二拍后面是四三拍，那这个从四二拍变到四三拍的行为就叫变换拍子，或者变拍子。只要一首音乐发生过这个行为我们都可以说整首音乐的拍号类型属于变换拍子。在简谱左上角有两种写法，第一种是在调号后面依次都写出来，并且第一个出现的拍号就不用在正文开始的时候写了，但是后面变拍号时一定要在正文里写出来；第二种是在调号后面只写最开始的拍子，后面同第一种，因为在变的时候正文会标注的就不用前面都写一遍了。

交错拍子

变换拍子是横向的改变，交错拍子是纵向上不同。比如三个乐器同时演奏，长笛为 $\frac{2}{4}$ 拍，小提琴是 $\frac{3}{4}$ 拍，大提琴是 $\frac{5}{4}$ 拍。用这种大括号括起来就是同时演奏的意思。

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这种情况下，小节线是错开的，强弱拍是错开的。

这种形式的音乐一般是作曲家的实验。

54.小节序号

在某些小节的开始处出现一个数字，可能带方框也可能带圆圈，都叫做小节信号，用来表示这是乐谱的第几个小节。

最大的作用为方便查找。
很多乐谱是没标小节序号的，需要自己标记。
通常标在换行后的第一个小节。
有些乐谱会以五或者十小节为单位标记小节序号。
小节序号标在小节线的正上方或者稍微偏右。所以序号右边的这个小节才是这个序号对应的小节。
第一小节不用去标。

55.弱起小节、弱起

由前面可知，每个小节的第一个音都是强拍。例如对于一个 $\frac{2}{4}$ 拍的乐谱，当第一个小节的第一拍没有声音时，乐谱上就直接不写第一个小节的强拍，而直接写弱拍。这时就会发现只有第一个小节有一拍，其他小节都是两拍，这样的小节我们就称为弱起小节。

弱起小节要满足两个条件，一为不从强拍开始，是从弱拍或者次强拍开始；二为弱起小节是不完整的小节（拍数不够）。比如天空之城的第一小节就是弱起小节。

为什么不能直接把曲子整体后移让弱起小节消失？

不同拍号暗示不同强弱关系，整体后移后强弱关系会改变，会影响一堆东西（比如改变长音符从强拍出发的逻辑，强拍经常要作为和旋出现和变化的地方的逻辑等）。

其他细节

拥有“弱起小节”的音乐有些时候在这段音乐的最后一个小节也是不完整的。（并不绝对）
弱起小节是不算是第一小节的，第一小节要从第一个有强拍的小节算起。
弱起小节必须是不完整的，补全第一个小节后拥有强拍但没有音符也不算是弱起小节。
尽管补全后第一小节不能再称之为弱起小节，但我们仍然可以把这种旋律称之为弱起。

56.情绪与速度、具体的速度、BPM

前面39到55为拍号部分，后面三节为情绪与速度的学习。
速度的位置位于拍号的后面，这节课先学具体的速度。
具体的速度有多种表达方式，第一种为直接中文表达，如每分钟60拍；第二种表达方式是直接套用五线谱的表达方式，如♩=120，意为每分钟演奏120个四分音符，即120拍；第三种表达方法是用BPM(Beat Per Minute)，如60BPM，翻译成中文就是每分钟60拍。

现在只需要知道是什么意思就好了，至于这个速度到底怎么把控过两节就会讲。

57.抽象的速度

今天见到的这些词语性表达对应的都是某一个范围。
有两种表达方式。
第一种为以意大利文或者对应的中文出现，比如Largo，对应的中文就是广板，对应40到50BPM，Andante对应行板，60到70BPM，Allegro对应快板，125到135BPM。还有慢速中速快速这种更抽象的说法，一边以60的倍数划分，0到60为慢速，60到120为中速，120到180为快速。
第二种是用一些看似与速度无直接关系的副词，如激烈地、欢快地、悲伤地等。这种东西自行判断速度。

如果抽象的速度与具体的速度一起出现的话，按照具体的速度去演奏/唱。

58.节拍器与使用

今天开始就可以彻底抛弃秒这个概念了，来用节拍器确定具体速度。

这东西的原理是单摆运动，时间与摆长成反比（不是讲的是我自己想的）（后经考证，核心原理是单摆运动的等时性，但实际更接近一种经过改良的复摆）

这节课主要是讲解节拍器怎么用，可以买机械节拍器也可以下个软件用电子节拍器，因为我会用就不做笔记了。

59.拍号、情绪与速度总结篇

从39到58的总结，对应的笔记会补充在前面对应的位置（但看完了发现我前面记的挺全的，没怎么补），此处无笔记。

后面将开始实践篇。

60.打拍子（1）-V字打拍法

先学 $\frac{X}{4}$ 的打拍子方式，这个最常用。

在专业的乐团指挥中 $\frac{X}{4}$ 的每个拍子的打拍子方式都是不同的，但是平常我们用的时候只要打准就好了没那么复杂。

这里讲V子打拍法，就是手一上一下像一个V字的形状。

因为实践课没有那么多要记的更重要的是看视频跟着练所以后面笔记应该会偏少。

操作：

节拍器响时，手即将往下。
节拍器响时，嘴里念“哒”。

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61.打拍子（2）-休止符打法

遇到的时候可以嘴里把“哒”换成“空”，熟练的话也可以直接不出声。

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62.打拍子（3）-二八

前面两节课极其重要，请确保完全理解后再往下看。

二八：两个八分音符。

因为一个四分音符是V字形，两个八分音符就是\ / ，分开弹/唱。

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10086.暂记

我发现我需要一个地方来记一下那些我只知道名字不知道具体内容的会在以后学的东西，索性开了个第10086层来存放这些专有名词。

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音程

和弦

律学

谐波

宫商角徵羽

十二平均律

不和谐音程